Обзоры фильмов
Рецензия на фильм «Между нами музыка» |
Четверо молодых людей пересекаются во время техасского рок-фестиваля в Остине. Под грохот рок-музыки у сцены и за ней разворачиваются четыре истории – Кука, Биви, Фэй и Ронды. У каждого из них есть свои демоны в голове, но их объединяет жажда ощутить себя живым и стать успешным. Противоречивый Терренс Малик снова собрал в своем странном произведении ряд известных имен, начиная от Райана Гослинга (Биви) и заканчивая Натали Портман (Ронда). Какими увещеваниями он заставил голливудских звезд сняться за сравнительно небольшой бюджет, так и останется, видимо, тайной. Может быть, неплохим подбором произведений музыкального андеграунда, обещанием, что все будет так же, как и в «Выживут только любовники», даже круче, потому что, нарочито избегая ракурсов на уровне глаз персонажей и снимая их то снизу, то сбоку, то частично, а то и вовсе с эффектом рыбьего глаза. С технической точки зрения все было бы хорошо, особенно в сочетании с музыкой, атмосферными видами и красивыми актерами, но что-то не срослось. «Песня за песней» откровенно трудна для восприятия, причем не ввиду своей сложности и заумности: фильм просто скучен. Особенно для тех, кто знаком с Маликом и его произведениями, в последнее время концентрирующегося на темах отношений, поиска хорошего и саморефлексии. В персонажах путаешься. Может быть, в отношении Биви и Кука это еще оправдано, пока пытаешься понять, с кем же Фэй и что же тут не так, но в остальном задумка режиссера так и остается непонятой. Руни Мара, из которой при желании можно слепить что угодно, лишь осложняет ситуацию постоянной сменой париков. Рваное повествование, которое должно было дать впечатление сложности сюжета, утомительно; экранное время Кейт Бланшет, которая могла бы вытянуть произведение в отличие от невразумительного Фассбендера, оказалось порезанным. Но это лучше, чем судьба Кристиана Бэйла, которого и вовсе вырезали из данного калейдоскопа рок-жизни. Вышеупомянутая Руни Мара, к слову, настоящая звезда в «Песнь за песней», желанная муза для любого рок-музыканта. Грустная, тонкокостная, волшебная, именно она задает основную тему повествования, ища себя, пытаясь почувствовать хоть что-то путем постельных экспериментов. У Мары хорошая химия с Гослингом, в отличие от Фассбендера и Портман, западающая в душу игра, нет злоупотребления прямым взглядом в экран. «Я просто думала, что мы будем просто катиться по дороге, от песни к песне, от поцелуя к поцелую», – говорит нам Фэй. Ее можно понять – аудитория тоже ждала интересный фильм, предполагая, что ее проведут от завязки через кульминацию к развязке. Но, на деле, Малек предлагает целый калейдоскоп сумбурных мыслей и эпизодов, с трудом укладывающихся в цельную картинку. Красивый, разноцветный, местами удачный, но слишком сумбурный. Впрочем, то, что наслоение мыслей все же в единую картинку складывается, наверное, хорошо. Источник: kinoafisha.info
|
19 Сентября 2019 0
Рецензия на фильм «Комната желаний» |
Французский режиссер-сценарист Кристиан Волькман долго был не у дел. После оглушительного провала (1,7 $ млн сборов при бюджете в 18 $ млн) неплохого анимационного детектива «Ренессанс» он залег на дно — и пробыл он там с 2006 по 2019, пока не вышел его новый полнометражный фильм «Комната желаний» (в оригинале — не очень оригинальное The Room).По сюжету влюбленная пара Кейт (Ольга Куриленко) и Мэтт (Кевин Янссенс) переезжают в новый дом подальше от людей. Она раньше работала переводчиком, а он — художником, которому для творчества нужно уединение. Купленный дом обладает дурной историей, ведь его предыдущих владельцев убил человек, чью личность так и не удалось установить, хотя он был взят под стражу. Ни мотивы, ни происхождение убийцы неизвестны. Но зачем было проверять историю жилища перед покупкой? Проще, если тебе об этом расскажет местный житель, предупредив, что лучше уехать из этого дома (классика!). Еще не успев обжить дом, герои находят за стеной таинственную комнату в которой ничего нет. Но если что-то загадать, то оно обязательно появится. Вот парочка и решает нагадать себе всего, чего желает. Но уровень их фантазии безмерно разочаровывает: алкоголь, произведения искусства, одежда и, конечно же, деньги, которые они по какой-то причине очень долго не пускали в ход. Так они проводят очень много времени, упиваясь материальными благами. При просмотре даже начинают возникать сомнения относительно жанровой принадлежности картины. Но наконец какое-то подобие движения в сторону хоррора начинается. Выясняется, что у Кейт было две неудачных беременности, а третий раз она сама не хочет вынашивать. Почему бы не загадать комнате ребенка? Вот с этого и начинаются все проблемы. У комнаты есть свои правила. Все, что выходит за ее пределы, начинает мгновенно стареть и обращаться в пыль. С такими правилами ребенка погулять не выведешь. К сожалению, об этих правилах становится известно, когда Кейт выносит младенца на улицу. Бедняга резко начинает взрослеть. Новоиспеченные родители вынуждены растить дитя взаперти. И кто такому будет рад? Точно не ребенок. В этот момент фильм уже напоминает драму о трудностях воспитания ребенка, о том, как ломается его психика при всех этих ограничениях, ведь ему не объясняют, почему он не может выйти. Следом и разлад в семье, конфликты. И где-то фоном Мэтт пытается узнать, что за человек убил прошлых хозяев и почему. Интрига слабая, так как все становится очевидно слишком быстро. Объяснять, как функционирует дом, придумывать историю его происхождения вместе с этой чудесной комнатой создатели не стали. Просто решали оставить огромную сценарную дыру. Для них важнее другое. Показать, до чего может дойти ребенок, сидящий взаперти, лишенный контакта с миром. И в этом нет ничего плохого, но зачем было все так накручивать с комнатой? Чтобы просто забыть об этом? Вялый темп и упущенный потенциал — главные недостатки картины. Герои могли больше сделать с такой чудесной комнатой, а в итоге ограничились примитивными желаниями и проблемным ребенком. В самом фильме Мэтт сам поднимает восхитительную идею, как можно было бы развить фильм — если обиженный ребенок доберется до комнаты, то может пожелать монстров. Ведь он ребенок, который не всегда отдает отчет в своих действиях. Но создатели очень слабо обыграли эту концепцию. Похвалить картину можно за пару неплохих визуальных моментов да за актерскую работу Ольги Куриленко. Она талантливая актриса («Двое во вселенной» это доказал), но обидно, что ей приходится растрачивает свой талант на подобное проходное кино, которое само не может понять, чем оно хочет быть. Для хоррора в нем мало страшных моментов, для триллера слишком много драмы, а для драмы слишком слабо прописанные персонажи, кроме героини Ольги, и то с оговорками. В итоге получаем проходной, дешевый и камерный хоррор с дырявым сценарием, где кроме пары красивых моментов и игры Куриленко смотреть не на что. Источник: kanobu.ru
|
19 Сентября 2019 0
Рецензия на фильм «Бунюэль в лабиринте черепах» |
В начале 30-х годов испанский режиссер Луис Бунюэль снял фильм «Лас-Урдес. Земля без хлеба». Это не самая известная его работа, она появилась на свет сразу после «Андалузского пса» и «Золотого века» - сюрреалистических экспериментов, сделанных в соавторстве с Сальвадором Дали. На фоне разрезанного бритвой глазного яблока, скорпионов и убийцы с ликом Христа документальная лента о беднейшем регионе Испании действительно теряется. В «Земле без хлеба» Бунюэль рассказывает о месте, оторванном от цивилизации. Вступительные титры сообщают, что дорога, соединившая горный Лас-Урдес с остальными частями страны, была открыта только в 1922 году.Образ жизни урданцев казался невероятным для начала XX века. Они как будто застряли во времени. В их сообществе поощрялись межродственные браки, они не могли освоить охоту и земледелие, они оставляли больных умирать на улице и из каких-то странных суеверий отказывались от хлеба – отсюда и название картины. Бунюэль создал красочный портрет региона, тщательно задокументировав его страшную бедность и еще более чудовищное невежество. «Бунюэль в лабиринте черепах» Сальвадора Симо – анимационный фильм для взрослых, а не для детей – рассказывает о том, как снималась «Земля без хлеба». Парижская премьера «Золотого века» в 1930 году вызывает скандал, перед испанским режиссером захлопываются все двери. Сотрудничество с Дали тоже завершается: одному из зрителей Бунюэль раздраженно говорит, что все идеи в фильме принадлежат ему самому, а от Дали там нет ничего. Деньги на новую картину буквально падают с неба. Приятель режиссера, скульптор Рамон Асин выигрывает в лотерею. На этот выигрыш съемочная группа и едет в Лас-Урдес. Для зрителя, плохо знакомого с работами Бунюэля, многие сюжетные повороты мультфильма наверняка станут открытием. Главная новость заключается в том, что «Земля без хлеба» не была документальной лентой в том смысле, какой мы вкладываем в это понятие сейчас. Испанский режиссер без зазрения совести подделывал реальность. Например, узнав, что местные едят козлятину только в том случае, если горный козел сам, поскользнувшись, сорвется с обрыва, он просто решил застрелить животное, чтобы снять жуткое падение. В оригинальном фильме это особо и не скрывается: в момент соскальзывания в пропасть в правом углу кадра виден дым от выстрела. В «Бунюэле в лабиринте черепах» есть два конфликта. Первый разворачивается между режиссером и его продюсером. Рамон Асин, анархист по убеждениям, наблюдая за методами работы Бунюэля, видит в нем избалованного ребенка, для которого эпатаж важнее серьезного высказывания. Второй конфликт бушует в душе постановщика. Он тоже пытается понять, для чего ему нужно искусство и где проходит грань между фантазией, реальностью и творчеством. В основной сюжет постоянно вторгаются сны Бунюэля, в которых он то пытается заслужить одобрение строгого отца, то видит сюрреалистические образы, часто отсылающие к его собственным фильмам (первичны, конечно, сны, фильмы появлялись уже на их основе). Режиссер Сальвадор Симо говорит, что снимал анимационную картину как игровую. Но трудно представить себе игровой фильм, в котором вот сейчас, в 2019 году, можно было бы сочувствовать персонажу, заставляющему животных умирать в страшных муках ради эффектного кадра. Анимация тут выступает инструментом остранения. Она не смягчает саму жестокость, но смягчает шок от ее восприятия. Она же защищает картину от попыток рассматривать классика из прошлого века через современную лупу. Симо ведет разговор не только о документальном, но и о художественном. Бунюэль, нарциссично погруженный в свои сюрреалистические мечты, в его фильме сталкивается с действительностью, которая оказывается шире, гротескнее и страшнее любых кошмаров. Образы персонажей тоже несут на себе печать сюрреалистических искажений. Черты их лиц создаются лаконичными штрихами, которые, как в шаржах, выделяют конкретные детали: у Бунюэля это асимметрия глаз и мясистые губы, у Асина – крупный нос и волевой подбородок. Это уже не заслуга Симо. Фильм основан на графическом романе Фермина Солиса, уроженца Эстремадуры – того самого района Испании, к которому относится и Лас-Урдес. Здесь автору этого текста хочется передать большой привет министру культуры Владимиру Мединскому, который недавно назвал увлечение взрослых людей комиксами «убожеством». В случае с «Бунюэлем в лабиринте черепах» экранизация «убожества» завоевала призы на важнейших фестивалях анимационного кино и попала в шорт-лист кандидатов от Испании на соискание премии «Оскар» (выбрали в итоге «Боль и славу» Альмодовара, но «Бунюэль» заслуживал этого ничуть не меньше). Лучшие моменты фильма – когда в анимацию внезапно вторгается оригинальный материал из «Земли без хлеба». Вот по горам скачет козел рисованный, а вот настоящий, вот местная мадонна с младенцем, набросанная штрихами, а вот реальная, качающая ребенка, вот анимированные похороны, а вот живые, черно-белые. В этом столкновении рождается осознание очевидного. Нет высоких и низких жанров, нет фильмов для умных и фильмов для дураков, нет противопоставления игрового и анимационного или игрового и документального. Искусство одно на всех, и либо художнику есть что сказать этому миру, либо нет. С тем, что в этом высказывании всегда будет доля манипулятивности, придется смириться. Никакое творчество не может быть «нейтральным» или «объективным», потому что оно всегда пропущено через сознание автора – а он, как ни крути, всего лишь человек. Источник: kinoafisha.info
|
13 Сентября 2019 0
Рецензия на фильм «Стриптизёрши» |
Американка азиатского происхождения с больной мамой, планом недолго поработать в стрип-клубе и псевдонимом Дестини перебирается на Манхэттен, чтобы танцевать там, где по вечерам оседают деньги с Уолл-стрит. Девушка пользуется успехом, но настоящая звезда в ее клубе — латиноамериканка Рамона, которая после выступлений любит подняться на крышу и мечтательно покурить в нижнем белье, прикрывшись огромной шубой. Однажды Дестини поднимется следом, замерзнет, окажется в объятиях этой Венеры в мехах и станет ее лучшей подругой. Вместе девушки придумают, как разбогатеть по-настоящему. Затем грянет кризис 2008 года, и от легальных заработков придется перейти к нелегальным. А потом флешфорвард покажет, что героиня сидит у себя в доме на диване перед журналисткой, но чувствует себя как на скамье подсудимых. На этапе синопсиса и тизеров казалось, что драма с Дженнифер Лопез, Констанс Ву, Джулией Стайлз и Карди Би будет чем-то вроде «Девушки по вызову» или «Рестлера» (ведь фильм Аронофски тоже рассказывает о профессиональной имитации, только не о суррогате секса, а о подделке под единоборства; и «Рестлер», и «Стриптизерши» стараются показать, чего на самом деле героям стоит эта имитация). То есть производственной драмой, осознающей как уникальность опыта героинь, так и его универсальность. Ведь из историй о том, что все мы для кого-то танцуем (а личные драмы не освобождают от необходимости участвовать в рыночных отношениях), обычно получается хороший оскаровский материал — тот же «Рестлер» или «Тоня против всех». И грандиозная открывающая сцена фильма, снятая одним планом, совсем как в «Славных парнях» Скорсезе, лишь подогревает эти ожидания. Камера заглядывает за кулисы стрип-клуба. Диалоги и актерские работы настолько естественны, что фильм можно было бы принять за документальный. А стремительная характеризация ясно дает понять, что у каждой девушки есть интересная история — и в прошлом, и в будущем, и сейчас. Но где-то на пятнадцатой минуте появляется Дженнифер Лопез (продюсер фильма) в мехах, танцы становятся откровеннее, а клише досаднее. Героини обзаводятся чихуахуа и тратят все деньги на кричащие шмотки розового цвета, называя это «инвестициями в себя». Они начинают мечтать о собственной коллекции купальников; Рамона даже придумала название — Swimona. Больной маме становится хуже. Все без исключения мужчины оказываются подонками. А у каждой второй героини внезапно появляется дочь, как будто мальчиков в этом мире принято сбрасывать со скалы. Другими словами, «Стриптизерши» — это не Аронофски и не Содерберг, уж тем более не «Шоугелз». Географическая близость места работы героинь к Уолл-стрит не случайна. Это и есть «Уолл-стрит» с поправкой на новации эпохи #MeToo. Сюжетная линия с амбициозной, но совестливой ученицей и хищной, но харизматичной наставницей повторяет историю героев Чарли Шина и Майкла Дугласа почти дословно, только вместо спортивного «ягуара» в фильме фигурирует напуганный чихуахуа. Выводы, которые делает сценаристка и режиссер Лорин Скафария (автор нежнейших инди-драм «Ищу друга на конец света» и «Будь моим парнем на пять минут»), мало чем отличаются от умозаключений Оливера Стоуна. Все покупается и продается; власть имущие не просто привыкли выходить сухими из воды, а основательно подсели на этот адреналин; вся страна — круглосуточный стриптиз-клуб, где за секс обещают расплатиться тремя сотнями, но в темноте подсовывают три двадцатки. Реплику про «Америку как стрип-клуб» фильм, кстати, бережет для сцены перед титрами, когда зритель уже просто не в состоянии слушать проповеди «Стриптизерш» всерьез. Значит ли все это, что фильм плохой? Парадоксальным образом нет — он хороший. Во-первых, «Стриптизерши» — честное развлекательное кино. В нем есть очень много смешных находок, начиная со сцены, где Дженнифер Лопез слушает Бритни Спирс («It’s Britney, bitch!» — предупреждает магнитола только что купленного Cadillac Escalade), и заканчивая героиней, которую всегда тошнит в ответственные моменты. А китчевая манера съемок с бесконечными рапидами (зеленые купюры летают по фильму, как белые голуби в боевиках Джона Ву), монтажными склейками-эстафетами в духе «11 друзей Оушена» и объясняющими сценами на манер «Волка с Уолл-стрит» очень быстро перестает раздражать. «Стриптизерши» — это фильм-шутка, наглый розыгрыш с исключительно благородной целью — показать конфликт новых веяний в драматургии (все эти «типично мужские» истории с женскими героинями) со старым подходом к съемкам. Так что довольными с этого фильма выйдут все — и те, кто радуется переменам в кино, и те, кто боится их. Вот героиня Лопез рассказывает своим последовательницам про три типа мужчин, и у нее получается поразительно точный портрет людей, облеченных властью и готовых злоупотреблять ею. Вот очередной женатый толстяк прячется в квартире, чтобы поговорить с потенциальной любовницей, и в итоге залезает в сауну прямо в клетчатой рубашке примерного семьянина. «Я здесь ради того, чтобы это не случилось со следующим парнем!» — тут же жалуется полиции очередной банкир, ставший жертвой аферисток, и зал в Торонто смеется на этой фразе вовсе не потому, что герой жалок. Просто это та риторика, которую мы часто слышим в новостях последние годы, но по гораздо более серьезным поводам. Даже сцены стриптиза в фильме сделаны так, чтобы каждый зритель сам решил для себя — это бесстыжая объективация или принципиальная асексуализация. Точно так же каждый зритель вынужден будет решить, достигли «Стриптизерши» своих художественных и публицистических целей или нет. Что это вообще за кино такое? Очередная в меру удачная американская история преступления со всеми сопутствующими клише? Или все же талантливая сатира, чей юмор оказался слишком тонким, чтобы сразу его заметить? Поди разберись. Кажется, все же второе. Источник: kinopoisk.ru
|
13 Сентября 2019 0
Рецензия на фильм «Щегол» |
Во время теракта в Метрополитен-музее в Нью-Йорке чудом выживший мальчик Теодор спасает шедевр голландской живописи «Щегол» Карела Фабрициуса. Его мать погибла при взрыве и Тео приютила семья Барбур, которая относится к нему с любовью и уважением. Ни одна душа не знает, что Тео тайком хранит у себя картину, признанную всеми утраченной навсегда. И эту странную связь с произведением искусства он не утратит на протяжении всей своей жизни.Роман Донны Тартт «Щегол», выпущенный в 2013 году, стал настоящей сенсацией во всем мире, и, пожалуй, ни одна другая книга с тех пор не добилась такой популярности и отзвука в сердцах людей. Впрочем, какой бы логичной и замечательной не казалась затея экранизировать бестселлер, произведение Тартт по всем параметрам мало подходит для киноадаптации: слишком многим пришлось бы пожертвовать. Впрочем, режиссера Джона Кроули, известного по симпатичной мелодраме «Бруклин», это не испугало, и слава Богу. Кинороманы сегодня — зрелище непривычное. Большая форма давно перебралась на малые экраны и прекрасно чувствует себя в формате сериалов. Наверное, и «Щеглу» гораздо больше подошло бы неспешное многосерийное повествование, в котором могли проявиться все оттенки развития его мира и персонажей. Но, если абстрагироваться от первоисточника, фильм Кроули получился весьма интересным и хорошо сложенным рассказом о связи человека с искусством. Прежде всего, «Щегол» по своей форме — настоящий привет из начала нулевых, времени, когда «Оскар» брали ленты наподобие «Часов». Сюжет насыщен множеством персонажей и временных периодов, а оператор Роджер Дикинс упрямо держит камеру статично и твердо, создавая из каждой сцены свою маленькую картину (в особенности удались заснеженные виды Нью-Йорка). Авторы подошли к экранизации с большим трепетом, и явно много сил потратили на то, чтобы сложить сценарный паззл максимально гармонично и доходчиво. Избегая соблазна начать разбрасываться лишними деталями, Кроули очень точно наметил основную линию — биографию Теодора, для которого утрата матери и обретение «Щегла» сплелись в один психологический клубок. На его нелегком пути его сопровождают запоминающиеся и порой эксцентричные персонажи, в числе которых побывают представители богемы, русские бандиты, хитрые антиквары, наркоманы и художники. Хотя в «Щегле» нет, помимо Николь Кидман, артистов первой величины, все без исключения подобраны удачно. В особенности хорош юный Оукс Фегли, сыгравший молодого Тео, мальчик очень органично переходит от драмы к смеху и обратно. Отдельно хочется отметить их совместные сцены с Финном Вулфардом — звездой «Очень странных дел», сыгравшего здесь украинского мальчика Бориса, застрявшего в полупустом шахтерском городке с пьяницей-отцом. Энергичные похождения школьников Тео и Бориса — лучшие и самые занимательные во всем фильме. Взрослого протагониста изобразил Энсел Элгорт («Малыш на драйве») и он весьма неплохо вжился в образ персонажа, чьи внутренние конфликты с годами только обострились, а связь с украденной картиной стала болезненнее и мучительнее. На втором плане успеют проявить себя Люк Уилсон — азартный отец Тео, Сара Полсон — его нахальная подружка, и Джеффри Райт — задумчивый мастер по работе с антиквариатом. И получается так, что Кидман, именем которой и заманивают зрителя в кинотеатр, играет здесь совершенно незначительную и малоинтересную роль. Конечно, поклонники Донны Тартт будут разочарованы поверхностностью экранизации, и в чем-то будут правы. Многие вещи действительно освещены здесь сумбурно, а режиссура местами суховата и утомляюще прямолинейна, что особенно чувствуется при таком внушительном хронометраже. Однако назвать «Щегла» однозначно плохой экранизацией язык не повернется. Картина рассчитана в первую очередь на непосвященных зрителей и весьма изысканно подает краткое изложение знаменитой книжки, не упуская ее основной сути. Источник: kinomania.ru
|
12 Сентября 2019 0