Обзоры фильмов
Рецензия на фильм «Акварель» |
Виктор Косаковский хорошо известен зрителю, даже поверхностно интересующемуся российской документалистикой, как один из самых титулованных и продуктивных режиссеров наряду с Мариной Разбежкиной, Виталием Манским, Сергеем Дворцевым, В своих наиболее известных работах («Лосев», «Беловы», «Среда 19.07.1961», «Тише!», «Свято»), при всех различиях в материале, Косаковского всегда интересовала позиция наблюдателя. Это могло быть наблюдение за становлением отдельного человека в движении к смерти или рождении нового, за фактурой человеческого лица, по которому пробегает переживание («Лосев», «Свято»), за событием, не данным заранее, а сложившимся неожиданно, окольным путем в череде микроскопических изменений («Среда 19.07.1961», «Тише!»). Документальные фильмы Косаковского не боялись тратить время на несущественное и повседневное, не интересовались грандиозными событиями, тяготея к спокойному и размеренному ритму, позволяющему вещам случаться самим по себе. «Акварель» тоже о наблюдении, но способ съемки и материал в этот раз новы и не следуют из предыдущей фильмографии.Новая работа Косаковского анонсировалась как эксперимент. При этом, эксперимент не просто технический, о котором заранее узнаешь из сопроводительного текста и тут же забываешь, но такой, который меняет ситуацию видения, влияет напрямую на зрительский опыт непосредственно в ситуации просмотра. «Акварель» снята в уникальной технике – формат 96 кадров в секунду обеспечивает повышенную четкость изображения с возможностью фокусироваться на мельчайших деталях. С определенной долей провокации проговаривалось и содержание фильма, где основным субъектом действия и объектом наблюдения является вода. Возможно, не будь у фильма такого интригующего для зрителя контекста, премьера прошла бы намного тише. Эксперименты же всегда привлекают внимание, особенно, если сопровождаются репликами-манифестами вроде «увидев такое, вам больше никогда не захочется смотреть обычное кино». Вопрос об эксперименте требует после себя вопроса о методе. В случае Косаковского метод состоит в поиске решения проблемы: как снять движение так, чтобы оно продолжало восприниматься глазом как непрерывное, но то, что движется, при этом, не теряло четкости изображения? Ответ-метод строится на технической инновации: съемка 96 кадров в секунду и открытая диафрагма, дающая маленькую глубину резкости, позволяет камере выхватывать крошечные детали – например, капли воды – и рассматривать их так, как человеческий глаз никогда не сможет. Отсюда и обещанные зрителям сила и новизна впечатлений от прямого присутствия. К сожалению, с экспериментальностью условия показа справляются не до конца, так как оборудование кинозалов (и в Петербурге – в том числе) позволяет демонстрировать фильм лишь 48 кадров в секунду. Насколько радикально отличалось бы впечатление, будь этот показатель выше, в ближайшее время нам не узнать. Но, тем не менее, уже сейчас можно сказать, что обещанное чудо в фильме возникает далеко не в каждую секунду, и причину следует искать не только в технических несовершенствах. Поиск новых способов видеть взывает к методу, позволяющему увидеть не то, что до этого было недоступно зрению, а увидеть нечто так, как до этого не представлялось возможным. В этом принципиальном моменте и должна, казалось бы, проходить линия разделения между фильмом Косаковского и обидным для самого режиссера сравнением с передачами National Geographic, часто возникавшим в связи с «Да здравствуют антиподы!», к которым визуальность «Акварели» ближе всего. Съемочные группы телеканала снимают фотографически выверенные кадры природных объектов, зрителю географически недоступных. Косаковский же утверждает, что желает снять воду как таковую, но почему-то также нуждается для этого в экзотике, выезжая в разные регионы мира, а не наблюдает с камерой за превращениями воды на берегу ближайшего водоема. Но все же в «Акварели» есть кадры точные в отношении воды, а не местности. Здесь многое решает вопрос масштаба, качественно меняющий позицию воды перед взглядом камеры. Сам Косаковский дает отдельное разъяснение к первым минутам фильма: «Во время первых кадров вам будет казаться, что камера смотрит на воду с высоты птичьего полета, на самом же деле, это снято с расстояния в десять сантиметров». И здесь, наравне с еще несколькими сходными эпизодами в середине, чудо наблюдения действительно происходит. Техническое новаторство и идея обратиться к воде оправдывают себя в крупных планах, где она перестает принадлежать местности – озеру Байкал, грандиозным ледникам и океанам. Вода становится водой как она есть – чистой структурой линий движения без начала и конца, сменой агрегатных состояний, зафиксированных одновременно в своей фактичности и эстетическом избытке. Крупный план в этом случае – такой взгляд, человеческому наблюдению недоступный. Но вот план сменяется на общий, где вода становится штормящим морем, в котором неуютно чувствует себя небольшая лодка, или коркой льда, из-под которой спасатели вытаскивают затонувшие машины. Здесь мы уже видим не воду саму по себе, а систему координат, заданную человеком, где воде отводится веками неизменная роль: быть одновременно и живительной силой, и опасной стихией, ответственной за цунами и наводнения. Косаковский говорит: «Мы как люди слишком много думаем о себе, почему-то считаем, что наша роль на планете центральная, хотя не будь воды и растений – все бы погибло в течение нескольких суток, а не будь человека – вздохнуло бы спокойно». Позиция ясна, но потеряна в «Акварели», где вода, только начав показывать собственную независимость, снова попадает в ловушку функциональности, живительной или разрушительной, ускользая от наметившегося эстетического измерения, где ее при помощи камеры можно увидеть так, как никогда не видел. Уникальность съемки сменяется уникальностью снимаемого объекта, а это уже не столько видение, сколько история о последствиях стихийных бедствий. Вполне возможно, Косаковский прав, когда замечает, что настоящий эксперимент обычно довольствуется коротким метром, так как полный нуждается в поддержке – нарратива, закадрового голоса или музыки. К слову, тяжелый рок в качестве саундтрека в фильме звучит до неловкости патетично, будто бы и правда сюжет не о воде, а о большой человеческой трагедии. И ведь именно у «Акварели» с ее новаторской техникой, верно найденным масштабом и точной постановкой вопроса о новом видении был шанс оказать сопротивление человеческим установкам, но возможность эта где-то затерялась. И все-таки ситуация далека от безнадежности. Главное, за что «Акварель» следует высоко оценить – верно найденная интонация, отыскать которую не так просто. Косаковский как режиссер продолжает работу с расширением возможностей кинематографического аппарата, который, как кажется, предельно устал от обвинений в идеологическом служении и жаждет быть тем, чем он был изначально – проводником новых способов видеть, которые еще только предстоит открыть. Источник: kinoart.ru
|
04 Октября 2019 0
Рецензия на фильм «Эверест» |
Мультфильм создан совместно аниматорами из Китая и США. Разработка проекта началась в 2010 году. Сценарий написала Джилл Калтон ("Корпорация монстров", "Сезон охоты"), она же вместе с Тоддом Вилдерманом, для которого это вторая работа на большом экране, занялась режиссурой. Понятно, что резюме у режиссера и сценариста весьма достойное, поэтому высокие ожидания от "Эвереста" должны быть вполне оправданы. Другое дело, как это получилось в итоге. Секретная лаборатория в большом мегаполисе. Йети, находящийся в плену у ученых, сбегает оттуда. Когда он забирается на крышу одного из домов, видит рекламу, предлагающую отважным подняться на Эверест, и вспоминает свой дом - именно там живут его родичи. Тем временем, школьница Лу, пытаясь забыть потерю отца, старается любыми способами уходить из дома, на каникулах подрабатывает тем, что выгуливает собак, сидит с малышами, разносит почту. Ее сосед - красавчик Джим, типичный самовлюбленный нарцисс, о котором мечтают все девчонки, а его брат, несмотря на маленький рост, мечтает стать великим баскетболистом. Эта троица еще не знает, что Йети спрятался на их крыше… Конечно, сюжет "Эвереста" немного наивен. Если с главными положительными героями-подростками, все понятно, то злодеи прописаны немного карикатурно, а главные герои обязательно получат поддержку от кого и чего угодно, лишь бы осчастливить зрителя в финале. Для мультфильмов это, конечно, простительно, потому что их создают, в первую очередь, для детишек. Но мы уже не раз замечали, что мультфильмы могут быть интересны как взрослым, так и детям одновременно, сюжет многослойный, и каждый зритель найдет в нем что-то свое согласно возрасту. Понятно, что дети полюбят "Эверест" сразу же: здесь полно приключений, гонок, милых персонажей, но что самое интересное, мультфильм за счет чувств завоевывает также симпатии взрослых. Разум поначалу сопротивляется, и пришедший с детишками взрослый зритель поначалу говорит себе, что "здесь герои могли решить проблему вот так, а там - вообще элементарно", но потом он начинается влюбляться в главную героиню, милого Йети, двух братьев. Что-то юношеское просыпается внутри, и взрослый как ребенок сидит, искренне переживает за героев, восхищается их элементарными идеями по решению возникающих трудностей. За счет чего это достигается? Во-первых, композитор мастерски задевает самые тонкие струны человеческой души удивительными по красоте композициями на скрипке, аранжировками других мелодий, звучащих в фильме. Вдохновившись сюжетом о том, что действие происходит в Китае, Руперт Грегсон-Уильямс удачно совместил восточные гармонии с западными музыкальными традициями и в итоге подарил завораживающую музыку. Восточные "нотки" положительно повлияли и на то, как выглядят главные герои мультфильма. В нем их нарисовали не типичными китайцами, но и не европейцами, а как будто метисами. Но в этом и есть своя прелесть и очарование. И конечно, очень красиво прописано волшебство. Его в мультфильме очень много, и под конец даже самый строгий взрослый, поддавшись чувствам, начинает верить в то, что оно существует. В "Эвересте" есть все, чтобы стать хорошим уроком для детей в плане того, как надо ценить семейные ценности, почему таить обиду и злиться означает получить кучу проблем. Это познавательный и теплый мультик для всей семьи, который научит добру, никогда не сдаваться и всегда стремиться к своей цели; помогать близким, друзьям, родителям и всем, кто нуждается в помощи. И потом, это просто веселое волшебное путешествие по самым живописным местам Китая, нарисованным, кстати, тоже очень красиво. Любовь и доброта спасут мир, и "Эверест", в очередной раз ярко, весело и сказочно это демонстрирует, но со своей изюминкой, - в ней и заключается главный плюс мультфильма. Источник: mail.kz
|
04 Октября 2019 0
Рецензия на фильм «Добыча» |
Прозвучит дико, но подростковый фильм ужасов «Добыча» (Prey, 2019), граничащий с робинзонадой, должен был выйти ещё в 2017 году. Да, два с половиной года полностью готовый хоррор Blumhouse лежал на полке, дожидаясь своего звёздного часа. Ходили даже слухи, что творение малоизвестного жанрового режиссёра Франка Халфуна потеряли. Но разгадка наверняка куда прозаичнее: продюсер Джейсон Блум посмотрел финальный монтаж, пожал плечами и не решился выпустить откровенно сырое и безыдейное кино в прокат.Главное, что нужно знать перед просмотром: всех отважных зрителей ждёт стандартный ужастик Blumhouse образца 2014-2015 годов. В то время студия клепала максимально дешёвые и клишированные страшилки с до невозможности нелепыми сюжетами и детским рейтингом PG-13. «Добыча» - очередной блёклый представитель той волны. Дурная история про подростка, страдающего из-за комплекса вины и угодившего в группу экстремальной психологической поддержки, с первой же минуты экранного времени движется по накатанной колее и даже не пытается удивлять. Затем, понимая, что свежих идей нет, Халфун старается нарисовать портрет современного Робинзона Крузо - к сожалению, совершенно непривлекательный. Всё это приправлено какой-то картонной драмой (очень много), играми в кошки-мышки (мало) и выживанием в неблагоприятных условиях (тоже мало). На самом деле в списке жанров «Добычи» вообще не следовало бы указывать «хоррор», потому что заигрывать с жанром режиссёр и сценарист начинает чуть ли не в последнем акте, выкатывая на суд зрителя до смешного нелепого монстра. Пугайтесь, дамы и господа! Не спасает кино ни дежурный твист в духе нулевых, ни странная эволюция главного героя. Подросток с ворохом психологических проблем из типичного городского мальчика и миллениала с извечным смартфоном в руках за невероятно короткий промежуток времени становится бывалым выживальщиком. Впрочем, даже сам Халфун понимает всю глупость показанного, поэтому один из персонажей подкалывает героя - и высказывается о подобном шестидневном «перерождении» крайне скептически. Последний гвоздь вбивает типичный «честный финал». Типичный и честный, опять же, по меркам студии Blumhouse. Если вы смотрели ранние хорроры Джейсона Блума, то без труда сможете предсказать концовку. Да чего уж, если вы в принципе увлекаетесь ужасами, то легко расскажете всю сюжетную линию по одному только трейлеру. Собственно, от режиссёра другого ждать и не приходится. После хорошей «Парковки» (P2) и вольного, но любопытного ремейка «Маньяка» (Maniac) с Элайджей Вудом, кромсающим женщин от первого лица, он снял абсолютно идиотские «Приложение» (i-Lived) и «Ужас Амитивилля: Пробуждение» (Amityville: The Awakening). Падение в бездну продолжается - и это факт. В общем, «Добыча» не получилась. Как говорят классики, очевидная «творческая неудача». Причём кино не работает ни как фильм ужасов, ни как напряжённый триллер про современного Робинзона. И даже драма вышла настолько пресной, что не срабатывает на уровне пародии. Обычный морально устаревший студийный хоррор - и памятник жанру, заметно поумневшему и похорошевшему к настоящему моменту. Из плюсов: у вас едва ли получится уснуть. Но очередное творение Франка Халфуна можно посмотреть только для того, чтобы убить время - на большее оно не способно. Источник: fatcatslim.ru
|
03 Октября 2019 0
Рецензия на фильм «С любовью, Антоша» |
В прокат выходит «С любовью, Антоша» Гаррета Прайса — байопик погибшего в 27 лет актера Антона Ельчина. Основанный на интервью с родными и близкими, отрывках фильмов с его участием, дневниках, письмах и любительских видео, этот фильм приближается к герою на такое близкое расстояние, с которого его невозможно не полюбить.В фильме «Альфа-дог» 16-летний Антон Ельчин должен был сыграть опьянение, но к тому времени он еще ни разу в жизни не пробовал алкоголь. Чтобы понять, как должен вести себя пьяный человек, Ельчин решил проделать опыт: включил камеру, выпил две чашки текилы и начал следить за собственным состоянием. Как тяжелеют руки, как расплывается фокус, какими размашистыми становятся движения. На следующий день он рассказал об этом опыте родителям: «Мамуля, только не волнуйся». Это подробное исследование опьянения — один из сильнейших эпизодов документального фильма Гаррета Прайса об Антоне Ельчине, актере, погибшем в 2016 году в возрасте 27 лет, слишком глупо и слишком рано — на него наехал его собственный джип, не поставленный на ручник. Считается, что Ельчин мог бы стать большим актером, может быть, даже уровня Де Ниро или, как минимум, Хита Леджера. Из домашнего видео, писем и дневников (их озвучивает Николас Кейдж), воспоминаний коллег и близких возникает не столько актерская биография, сколько история взросления. Первое выступление перед камерой, первый поцелуй, первая любовная драма — и все это время семья остается главным местом силы героя. Родители Антона, фигуристы Виктор и Ирина Ельчины, уехали из Ленинграда в Штаты, когда Антону исполнилось полгода, и посвятили ему свою жизнь. И фильм «С любовью, Антоша» относится к своему герою с материнской гордостью и отцовской нежностью. Это сага о хорошем мальчике, умном, глубоком, неотразимом, и о том, как такие хорошие мальчики становятся трагическими фигурами. Дрейк Доремус, режиссер романтической драмы «Как сумасшедший», где Ельчин снимался с Фелисити Джонс и Дженнифер Лоренс, сам делать документальный байопик Ельчина не рискнул: слишком близко, слишком больно. И специально позвал в проект дебютанта Гаррета Прайса, который не был лично знаком с Ельчиным и потому, казалось, мог быть объективным. Тем более что родители Антона дали Прайсу и Доремусу, выступившему одним из продюсеров фильма, все материалы и полную свободу действий. Но выяснилось, что Ельчин не оставляет надежды на отстраненную объективность ни режиссеру, ни зрителю: он оказывается настолько больше и мощнее своего экранного образа, настолько глубже и интереснее своих самых глубоких ролей, что к финалу фильма зритель тоже вынужден подойти к Антону Ельчину так близко, что ни о какой объективности речи быть не может. Ельчин участвовал в нескольких десятках картин, снимался с настоящими киномонстрами, от Энтони Хопкинса и Мартина Ландау до Уиллема Дэфо. Прайс отснял более 60 интервью — чьи-то монологи пришлось сократить (Кристофер Пайн говорил два часа подряд, безо всяких вопросов, просто чтобы выговориться), чьи-то вообще не вошли в фильм (например, Сюзан Сарандон и Гленн Клоуз). Но в рассказах тех, кто появляется на экране, он предстает тем, кем, видимо, и был на самом деле,— не столько актером, сколько бета-тестером этого мира. Вот он учится плакать для своей первой роли в сериале «Скорая помощь». Вот учится смотреть кино. Учится пить. Учится любить. Вот расстается со своей девушкой и звонит давней подруге, Кристен Стюарт, чтобы попросить прощения за то, что когда-то разбил ей сердце: «Я тогда не понимал, что ты испытала. Сейчас понимаю». Он с одинаковой страстью исследует возможности русского акцента, готовясь к роли Павла Чехова в «Стартреке», и ныряет в ночную жизнь секс-клубов, чтобы создать серию тревожных фотографий в духе «Баллад о сексуальной зависимости» Нан Голдин. Озвучивает «Смурфиков». Зная, что болен муковисцидозом, учится мириться с тем, что вряд ли доживет до 40. Играет блюз для мамули. Пишет на сценарных листах все, что думает о своих персонажах (ни один кинокритик, когда-либо писавший о Ельчине, близко не подошел к такому пониманию кинематографа). Играет в панк-группе. Беспокоится, что начал лысеть, а ведь ему нет еще тридцати. Собирается снимать кино, делает раскадровку. Лучшее решение Прайса — задействовать домашнее видео, подростковые киноопыты, снятые самим Антоном. «Большое» кино, будь то «Стартрек» или «Альфа-дог», оказывается, почти не дает представления о масштабах личности Ельчина. В домашних видео самое интересное — наблюдать, как актер пытается договориться с камерой, пытается понять, на каких условиях они смогут сотрудничать, исследует себя и собственные возможности. Похоже, так же он относился и к миру. Давай договоримся: я буду тебя любить, а ты поможешь мне что-то понять. С любовью, Антоша. Источник: kommersant.ru
|
26 Сентября 2019 0
Рецензия на фильм «К звёздам» |
Недалекое будущее. Земле грозит уничтожение от энергетических бурь, которые охватили всю Галактику. Спасти планету от катастрофы вызывается практически безэмоциональный (его пульс никогда не превышает нормы) астронавт Рой Макбрайд. Конечно же, это Брэд Питт.По стечению обстоятельств ключ к решению проблемы, а возможно и причина ее возникновения, отец Роя — пионер освоения космоса Клиффорд (Томми Ли Джонс), который тридцать лет назад пропал у Нептуна во время секретной миссии по поиску внеземного разума. Поначалу новый фильм Джеймса Грэя («Затерянный город Z») кажется своеобразным перифразом «Интерстеллара». Но в своей работе постановщик больше замахивается на «Апокалипсис сегодня». Быстро выясняется, что все долгое путешествие — почти три миллиарда миль! — Рой проделывает не для того, чтобы обнять отца. Это если без спойлеров. Естественно, как и в монументальном фильме Копполы, взаимоотношения родителя и ребенка носят юнгианский характер. Первый — согрешивший Бог, а второй сможет повзрослеть только после символической расплаты. Тогда недавний Сын сам станет Отцом и все повторится снова. Вечный сюжет. Поэтому роль космоса в этой истории исключительно декоративная. При этом, безвоздушное пространство выглядит почти совершенно. Оператор «Интерстеллара» Хойте Ван Хойтема пусть и не дотягивает до работы Эммануэля Любецки в «Гравитации», но, заручившись визуальным перфекционизмом Грэя, выдает совершенно нереальные кадры. Картинка компенсирует отсутствие динамики в сюжете. Следует быть готовым к тому, что «К звездам» — не аттракцион. На протяжении двух часов на экране не произойдет практически ничего. Это невероятно медитативное и неспешное кино, в котором любые намеки на активное действие заменяются на рефлексию о вечном одиночестве. Есть пара исключений, которые лишь подтверждают правило. Самая напряженная сцена картины — тридцатисекундная «батальная сцена» (явный привет «Космической одиссее»). В остальном, весь саспенс строится на тестах на психологическую устойчивость, которые главный герой проходит с незавидной регулярностью. Несмотря на то, что в фильме мелькают Томми Ли Джонс и Дональд Сазерленд, основной звездой картины остается Брэд Питт, который получил так много экранного времени, что «К звездам» — практически монофильм. В свои 55 лет актер с завидным упорством отрешается от образа мачо и второй раз за год (после роли Клиффа Бута в «Однажды в… Голливуде») изображает несвойственных себе персонажей. Что это? Запоздалый кризис среднего возраста? Очередной поиск себя? Или попытка получить второй «Оскар»? Может все сразу, главного это не отменяет. Питт — гениален. Большую часть фильма он играет исключительно глазами, а в финале действительно хочется кричать: «Верю!». В подтверждение к сказанному стоит отметить, что многие выходили из кинозала с влажными глазами. Хотя финал может и разочаровать. Весь путь героя — явное путешествие в один конец. В этом есть и горькая ирония (бросить всех, чтобы найти того, кто бросил тебя), и компиляция всего творчества режиссера, которого смело можно назвать меланхоликом. Спойлеров не будет, но каждому из нас суждено выбрать: витать на земле или в облаках. Грэй это явно понимает, но все равно пытается в итоге соединить несовместимое. Возможно, постановщик стал жертвой своей же горькой шутки о том, что инопланетяне — это не зеленые человечки, а такие же люди, душа которых, как известно, потемки. Или же после рождения третьего ребенка стал чуть сентиментальнее. В любом случае, этот вопрос остается открытым. Источник: kanobu.ru
|
26 Сентября 2019 0